Los Cinéfilos seguimos celebrando el triunfo de Francia en la Copa Mundial de la FIFA 2018 y es por eso que en esta entrada de CINE MUNDIAL vamos a hablar de directores franceses.
En la nota anterior, CINE MUNDIAL: TOP 10 PELÍCULAS FRANCESAS comentamos que el cine francés, caracterizado por su lenguaje de alta sensibilidad y por su preocupación por la condición humana, conflictos y relaciones de amor, ha producido grandes películas.
En esta lista nos vamos a encontrar con cinco directores destacados que revolucionaron el cine francés y aún hoy influyen en la forma de hacer películas. Sin embargo, son muchos los grandes directores que no aparecen en esta lista. Si tienes preferencia por alguno de estos cinco maestros o crees que hay otros que también merecen ser mencionados, no te vayas sin dejar tu comentario.
Voilà! Acá están los cinco directores franceses convocados para nuestra selección:
- JEAN RENOIR
Director de cine, guionista y actor francés, era el segundo hijo del famoso pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir. Sus películas, durante décadas incomprendidas, se ven ya como obras clave dentro del desarrollo de la historia del cine francés entre 1930 y 1950, antes de que se iniciara en Francia la Nouvelle vague, la Nueva ola.
Estudió en un colegio católico privado en París y fue soldado durante la Primera Guerra Mundial. Debido a una herida en la pierna, fue cojo toda su vida.
Su primer largometraje fue una historia con estética impresionista, La hija del agua (La Fille de l’eau) , de 1924. Después emprendió la costosa producción de Nana, basada en la novela de Émile Zola, en 1926. En estas películas hay un contraste evidente entre criados y señores, y aparece un tema propio, su gusto por el espectáculo.
En el período realista de Jean Renoir, La golfa (La chienne, 1931), una de las primeras películas sonoras, marca un giro en su obra. Después de La noche de la encrucijada (La Nuit du carrefour, 1932), el director produjo una serie impresionista:
- Boudou salvado de las aguas (Boudou sauvé des eaux, 1932),
- El crimen de Monsieur Lange (Le crime de Monsieur Lange, 1935),
- Una partida de campo (Une partie de campagne, 1936).
Toni, 1934, está lleno de claves del cine de Renoir. También, Los bajos fondos (Les bas-fonds, 1936). Jean Renoir demuestra en este período un agudo sentido de la realidad y desarrolla un verdadero naturalismo poético.
La obra de Renoir está marcada por el compromiso político. Destacan La gran ilusión (1937), La bestia humana (1938) y La regla del juego (1939). Exiliado en 1940, Jean Renoir adquiere la nacionalidad estadounidense. Se adaptó con dificultad al universo de Hollywood y a pesar de todo dirigió algunas películas por encargo. Luego viajó a la India para rodar El río (The River, 1951), una película en color, contemplativa y serena, con un humanismo desencantado y considerada una obra maestra. Es notable la influencia que tuvo Renoir en el cine de la India.
Ya en Europa a principios de la década de 1950, Jean Renoir filmó La carroza de oro (Le Carrosse d’or, 1952), French Cancan (1955), Elena y los hombres (Elena et les hommes, con Ingrid Bergman y Jean Marais, 1956) y El cabo atrapado (Le caporal épinglé, basado en Jacques Perret, 1962).
Al encontrarse cada vez con más dificultades para producir su películas, se dedicó a la televisión y se dedicó con mayor empeño a la escritura. Jean Renoir se retiró en 1970 y falleció en 1979 en Beverly Hills.
- MIA HANSEN-LØVE
Mia Hansen-Løve es una realizadora de cine francesa y directora de varios largometrajes. En 2016 presentó su película El porvenir, protagonizada por la prestigiosa Isabelle Huppert.
Hansen-Løve obtiene su primer papel como actriz en la película Finales de agosto, principios de septiembre (Fin août, début septembre, 1998), de Olivier Assayas, con quien se casó.
Tras sus primeras incursiones como actriz, Mia Hansen-Løve ha realizado varios cortometrajes. Su primer largo, Todo está perdonado (Tout est pardonné) , que se estrenó en 2007, obtuvo el Premio Louis Delluc a la ópera prima.
En 2009 presentó la película El padre de mis hijos (Le père de mes enfants). Dos años más tarde, en 2011, Un amor de juventud (Un amour de jeunesse). Poco después llegaron Edén (Eden, 2014) y El porvenir (L’Avenir, 2016), que logró el Oso de Plata a la mejor realizadora de la Berlinale 2016 por El porvenir. Con media decena de films, esta directora ha demostrado que integra la lista de los mejores del mundo.
VIDEO: EL PORVENIR, TRÁILER. L’AVENIR, MIA HANSEN-LØVE, 2016.
- JEAN-LUC GODARD
Jean-Luc Godard es un director de cine franco-suizo que cultivó un cine creador y vanguardista. Godard es uno de los miembros más influyentes de la Nouvelle vague, caracterizado por su método de montaje experimental, su crítica ácida y la poesía de sus imágenes.
De niño vivió en Suiza y durante su adolescencia se trasladó a París. Estudió etnología en la Sorbona y fue en esta época que comenzó a descubrir su gran pasión por el cine. Habitué de la Cinemateca Francesa y los cineclubes parisinos, empezó a trabajar como crítico cinematográfico en varias revistas bajo el seudónimo de Hans Lucas.
En el verano de 1959 comenzó el rodaje de su primer largometraje, Sin aliento (À bout de souffle), sobre un guión de François Truffaut, de quien era muy amigo. La película fue revolucionaria en la manera de filmar: se rodaba cámara en mano, se utilizaba el estilo documental y se saltaba de un plano a otro. A pesar de no lograr ningún premio en el Festival de Cannes, ganó el Oso de Plata en el Festival de Berlín, así como el Premio Jean Vigo.
En 1960 dirigió su segundo largo, El soldadito (Le petit soldat), que estuvo prohibido en Francia durante tres años. Este film estuvo protagonizado por Anna Karina, actriz con quien se casó un año más tarde y que protagonizó varios de sus proyectos posteriores.
Durante los años siguientes, Godard colaboró con otros integrantes de la Nouvelle vague como actor, codirector o productor, a la vez que dirigió películas muy influyentes que fueron aclamadas por la crítica cinematográfica como Banda aparte (Bande à part) o Pierrot el loco (Pierrot le fou).
Algunos de los premios que cosechó en esta época fueron: el Premio especial del Jurado y el de la Crítica de la Mostra de Venecia por Vivir su vida (Vivre sa vie); su segundo Oso de Oro por Alphaville (Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution); y un nuevo Premio especial del Jurado en la Mostra por La Chinoise.
A partir de Made in USA, el cine de Godard, caracterizado por el radicalismo formal, fue incorporando un radicalismo político que se cristalizó en La Chinoise y en Week End. Godard se incorporó luego al movimiento maoísta. Jean-Luc Godard decidió poner su cine al servicio del movimiento revolucionario del Mayo francés y abandonó sus anteriores métodos de trabajo.
En mayo de 1968 el Festival de Cannes fue suspendido por la interrupción de las proyecciones que hicieron Godard, François Truffaut, Polanski y otros cineastas, en apoyo y solidaridad al movimiento estudiantil y obrero del Mayo francés.
Ese año dirigió One + One (más tarde titulado Sympathy for the Devil) un documental que muestra cómo los Rolling Stones van dando forma a esta canción y se alterna en simultáneo con discursos revolucionarios a nivel político y estético.
Tras dirigir ficción convencional para un público más amplio ilustrando las teorías maoístas, Godard volvió en la década de 1980 al cine convencional de 35 mm y rodó películas polémicas como Yo te saludo, María (Je vous salue, Marie), en paralelo con Anne-Marie Mieville. A finales de la década comenzó a trabajar en Histoire(s) du cinéma, en la que da su particular visión sobre la historia del cine. Es una obra conceptual, llena de imágenes superpuestas, textos y poesía.
Jean-Luc Godard rodó Allemagne 90 neuf zéro (1991) y Les Enfants jouent à la Russie (1993), Hélas pour moi (1993). Hizo más tarde, un retrato de sí mismo en JLG/JLG – autorretrato en diciembre (JLG/JLG – autoportrait de décembre, 1995), y For Ever Mozart (1996). Después realizó Nuestra música (Notre musique, 2004), y tras unos cortos, en 2010, Cine socialismo (Film socialisme).
En 2012, la productora Wild Bunch anunció un nuevo film de Godard, Adiós al lenguaje (Adieu au Language, 2014) película rodada en 3D, y en 2018 presentó en Competencia Oficial del Festival de Cannes la película Le livre d’image.
VIDEO: LE LIVRE D´IMAGE, TRÁILER. JEAN-LUC GODARD, 2018.
- ROMAN POLANSKI
Este famoso director de cine, productor, guionista y actor polaco nacido en Francia es reconocido como uno de los cineastas más importantes de la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI. Es uno de los más grandes aún vivos, con 84 años.
Sobrevivió el Holocausto y su madre, que falleció en Auschwitz, fue estudiante en la famosa escuela de cine de Lodz. Ha realizado películas en Polonia, Reino Unido, Italia, Francia y Estados Unidos.
Su primer largometraje, El cuchillo en el agua (Nóż w wodzie, en polaco, 1962), fue seleccionado para competir por el Premio Óscar a Mejor película en habla no inglesa. Emigró a Reino Unido, donde filmó Repulsión (Repulsion, 1965), Callejón sin salida (Cul-de-Sac, 1966), que ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín, y El baile de los vampiros (The Fearless Vampire Killers, 1967).
En Estados Unidos realizó el gran éxito El bebé de Rosemary (En España, La semilla del diablo. Rosemary’s Baby, 1968), que lo confirmó como uno de los directores más respetados e importantes de su generación.
A pesar de su fama y prestigio no pudo evitar que los graves incidentes de su vida personal afectaran su carrera. El asesinato de su esposa Sharon Tate a manos de La Familia Manson y la acusación de violación a una mujer cuando ella tenía 13 años – que terminó en una sentencia de culpabilidad por haber tenido relaciones ilícitas con una menor – truncaron de raíz su carrera en Estados Unidos, donde pudo terminar sólo una película más: la muy aclamada Chinatown (1974).
En Europa dirigió una de sus películas más personales, rigurosas y emocionantes: Tess. El film se estrenó en 1979 y fue un enorme éxito en Francia. Tras algunos años de fracasos, regresó a lo más alto de su carrera con su filme más arriesgado y biográfico: El pianista (The Pianist, 2002), que se alzó con la Palma de Oro de Cannes, y el premio Óscar al Mejor director, entre otros reconocimientos.
- LUC BESSON
El primer lugar en esta lista le pertenece a Luc Besson, director de cine, guionista, escritor y productor que ha ganado numerosos premios franceses e internacionales. Entre sus obras se destacan El gran azul, Nikita, Léon, El quinto elemento, Arthur y los Minimoys, El Transportador, Lucy y Valerian y la ciudad de los mil planetas.
Besson ha trabajado en varias ocasiones con el actor francés Jean Reno, que interpretó el papel principal en Léon (El profesional o El perfecto asesino, 1994), película que supone el descubrimiento de Natalie Portman. Se destaca la colaboración que Luc Besson hace junto a Éric Serra, compositor de la música de sus películas.
La costosa producción de ciencia ficción El quinto elemento (Le Cinquième Élément, 1997), con Bruce Willis y Milla Jovovich en los papeles estelares, fue un gran éxito de taquilla.
Esta ha sido la película de presupuesto más alto entre todas las películas grabada fuera del circuito de Hollywood, con aproximadamente 80 millones de dólares y recaudación de 263 millones de dólares. Fue elogiada en el Festival de Cannes en 1997 y obtuvo siete nominaciones a los Premios César (ganó tres, incluyendo Mejor director para Luc Besson), además del Premio BAFTA a Mejores efectos especiales y una nominación al Premio de la Academia a Mejor edición de sonido. Además de Bruce Willis en el papel principal y Milla Jovovich, Gary Oldman volvió a colaborar con Besson en el papel de villano.
En 1999 Besson rodó Juana de Arco (The Story of Joan Of Arc), película histórica con Milla Jovovich en el papel de la Doncella de Orleans, y en 2000 fundó la empresa Europacorp para producir y distribuir películas a nivel internacional.
Este director llevó a la gran pantalla Arthur y los Minimoys (Arthur et les Minimoys, 2006), escrito por él mismo. En la versión en inglés se escuchan las voces de Madonna, Snoop Dogg y David Bowie. Además, escribió el guion de Taxi 4 (2007) y participa como productor en Flora Plum (2010), de Jodie Foster como directora.
En 2009 estrenó con el director Yann-Arthus Bertrand una película llamada HOME, que recopila asombrosas filmaciones aéreas que concientizan acerca de los problemas ecológicos mundiales y la rápida escasez de los recursos naturales. HOME no tiene ningún propósito comercial y se distribuyó en forma gratuita para lograr la más amplia difusión. Esta película busca crear conciencia y advertir a la población para evitar que se agoten los recursos naturales e impedir una evolución catastrófica del clima de la Tierra.
VIDEO: HOME (TRÁILER), YANN-ARTHUS BERTRAND Y LUC BESSON, 2009
MENCIÓN ESPECIAL: GEORGES MÉLIÈS
Reservamos esta mención para Georges Méliès, el padre de la magia en el cine. Ilusionista, cineasta y prolífico innovador en el uso de efectos especiales, este francés es famoso por liderar desarrollos técnicos y narrativos en el nacimiento de la cinematografía. En un momento en que la cinematografía era incipiente y casi exclusivamente documental, Melies abrió las puertas del sueño, la magia y la ficción.
Méliès es recordado como un mago del cine. Fue uno de los primeros cineastas en utilizar exposiciones múltiples, la cámara rápida, las disoluciones de imágenes y la película en colores. También fue pionero en el uso de guiones gráficos.
La contribución de Méliès al séptimo arte fue revolucionaria. Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (Le Voyage dans la Lune, 1902) y Viaje a través de lo imposible (Le voyage à travers l’impossible, 1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y se consideran de las películas más influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película La mansión del diablo (Le Manoir du Diable, 1896).
VIDEO: VIAJE A LA LUNA, COMPLETA (Le Voyage dans la Lune, 1902)
