El director Makbul Murabak representará a Indonesia camino a los Oscar con “Autobiography”.
La sinopsis de la película enuncia la narrativa de esta manera: Con su padre en prisión y su hermano en el extranjero por trabajo, el joven Rakib trabaja como el solitario guardián en una mansión vacía que pertenece a Purna, un general retirado a cuya familia el clan de Rakib ha servido durante siglos en un pueblo rural de Indonesia. Después de que Purna regresa a casa para comenzar su campaña electoral para la alcaldía, Rakib se vincula con el hombre mayor, quien se convierte en un mentor cercano y una figura paterna, y encuentra su vocación como asistente de Purna en el trabajo y la vida. Cuando un día se encuentra destrozado el cartel electoral de Purna, Rakib no duda en localizar al culpable, lo que desencadena una escalada de violencia.
Eso es solo el comienzo. Luego de ver la película tuvimos el placer de hablar con su director quien nos contó cómo vivió el proceso del film, cómo trabajó con los actores y sobre su nominación como representante de su país con su película.
Entrevista
Cinéfilos: Felicitaciones por tu película. El film tiene muchas capas y me encanta eso. Por supuesto, es personal e íntima, pero al mismo tiempo, puede abordar cuestiones sociales interseccionales con las que uno puede identificarse. Y me encanta esa doble cualidad. Esta película habla sobre tu familia, con este funcionario gubernamental, tu vida, tu país, tu adolescencia. Y mientras veía la película, me preguntaba, mientras veo la película, cómo catártico. Y difícil. Tal vez. Fue hacer esta película para ti. Cuéntanos un poco más al respecto.
Makbul: Creo que sí. Tienes razón. Lo más difícil al pensar en la película es cómo hacer que todo sea de doble capa, que cada escena sea realista pero también algo que podría suceder o no. Ya que podría significar mucho más, podría significar un proceso de significación más grande, que es como lo que paso em mi país. Así que creo que eso fue y quería hacerlo solo con dos actores. Quería que esa relación fuera muy clara. Entonces, si, por ejemplo, hubiese otros actores a su alrededor, cambiaría el significado. Y creo que tener dos actores haciéndolo es realmente difícil. Es realmente, muy difícil mantener el movimiento temático utilizando a dos actores. Y creo que eso fue lo más difícil, pero también la parte más gratificante, creativamente hablando, de hacer la película.
C: Y creo que esa misma relación entre KiB y el general se puede extrapolar a la sociedad y a esa figura paterna del gobierno y la sociedad de ese tiempo.
M: Sí, sí, es cierto. Quiero decir, para mí, la relación es una relación entre padre e hijo. Entre gobierno y civil, entre militar y civil, entre amo y esclavo, entre generación joven y generación vieja, entre la generación de la Guerra Fría y la generación postguerra Fría. Así que podría significar mucho más. Y en la escena, a veces. Bueno, no a veces, siempre, ¿qué significado quiero poner en la primera capa, la segunda capa, la tercera capa? Así que siempre es jugar con qué tiene prioridad en esas capas. Y quería dejar muchas puertas abiertas para que el público entre en la escena y lo sienta. Si no pueden verlo como una relación militar y civil, siempre pueden verlo como algo más. Siempre pueden verlo como padre e hijo. Entonces, creo que, sí, también es una parte muy, muy interesante del proceso.
C: ¿Y cómo trabajaste eso con tus dos actores principales? Porque también es muy personal.
M: Me aseguré de que también fuera personal para ellos. Entonces, estaba buscando un actor que compartiera, no necesariamente una experiencia política, pero, sabes, una experiencia personal que pudiera ayudarlos a conocer más. Sobre el actor que interpreta el general, él nació durante esa época. Trabajó desde esa época. Así que con él hablamos mucho más sobre cosas políticas, pero con Kib, nunca hablé de política porque, en primer lugar, no le importa. ¿Por qué debería hablarle de cosas que no le importan? Quiero usar las cosas que le importan para acercarlo a lo que la película. Si quería hablar, de cómo cuidar de su familia. Él (Kevin Ardilova) ha sido el sostén de su familia desde que estaba en la escuela secundaria. lo que realmente habla mucho sobre cómo interpreta al personaje. Sabes, cuyo padre está en prisión, cuyo hermano se fue a otro país. Así que realmente es encontrar una nueva figura paterna porque su padre lo abandonó cuando era un niño y me dijo que está luchando. El personaje se pregunta ¿a quién debería seguir? Y creo que es una pregunta muy interesante cuando se trata de encontrarse con el general. ¿Es este el tipo al que debería seguir? Ya sabes, así que es un proceso muy interesante con él también y no es necesariamente político, pero es muy personal.
C: Creo que todas las cosas que mencionaste, es como si su memoria emocional comenzara a crear el personaje también. Hay una frase que me puso la piel de gallina en un momento, como: “Lo siento, es una palabra notable. Que puede transformar la ira en bendiciones”. Algo así. Y en todas las películas se puede ver la lealtad o la lealtad con signos de interrogación. Entonces, ¿cómo procesaste todas esas cosas? ¿Cómo fue trabajar con todas esas cosas para ti?
M: Sí, creo que la lealtad es algo que está arraigado en nuestra cultura. Creo que es lo primero que te enseñan de niño. Debes ser leal a tus padres. Debes ser leal a tu familia. Una buena persona es una persona leal. Pero lo que nunca se enseña es lealtad hacia ¿qué? ¿Y lealtad con qué causa? Entonces, la dictadura militar, en esa época, no estoy seguro de la dictadura militar en allá, pero en Indonesia, están explotando este valor de la lealtad. Como, eres una buena persona si eres leal a tu familia. Por lo tanto, también eres una buena persona si eres leal a tu país porque el dictador es el padre del país, eso es literalmente lo que llaman a la dictadura, el padre del país, y todos ustedes son los hijos. Así que ser leal al país es igual a ser leal a tu familia. Entonces, esto es realmente de dónde proviene el concepto de lealtad en la película. Y sobre el perdón porque, ya sabes, este gobierno hizo muchas atrocidades. Mataron a mucha gente. Históricamente, tuvimos el segundo mayor Holocausto después del Holocausto alemán, que fue la masacre comunista en los años 60, como, alrededor de 2 millones de personas fueron asesinadas. Y siempre hay una pregunta y una retórica sobre el perdón. El gobierno está pidiendo perdón. O tal vez sí. Tal vez no quieren. Tal vez son genuinos, tal vez no. Pero simplemente, ya sabes, el perdón siempre ha sido explotado. Como, ya sabes, perdonar, pedir perdón es algo bueno. Entre comillas. Sí, así que esto es a lo que también se refiere la película, como el militar, el asesino, está enseñando la inocencia, como que el perdón es algo bueno. Ya sabes, como, “lo siento” es una palabra poderosa. Y luego vemos que, no mucho después de eso, es. Es retórica.
C: Así es, que estoy impactado por las similitudes entre nuestros países. Así que entiendo y estoy agradecido de que puedas mostrarlo en una historia tan personal, pero también con todas esas capas de las que hablamos. Sí.
M: Igualmente. Vi una película chilena el año pasado, 1976, Manuela Martelli. Y pensé. Esto podría pasar en mi país. Así que estoy como, sí, sí, eso es.
C: La vi, muy buena. Quiero hablar sobre el silencio y la escena cuando estaba en la cocina y estaba gritando. Él es un gritón. No puedes escuchar el grito. Es más, como un grito silencioso. Así que encontré eso hermoso. ¿Tuviste un proceso para equilibrar los diálogos sin ese silencio? ¿O fue parte de la historia o una adición?
M: Bueno, lo divertido es que hablar de silencio en el diseño de sonido es lo mismo que hablar de oscuridad en cinematografía. Hay algún sonido allí. Hay algo allí para que podamos reconocerlo como silencioso. Así que incluso cuando estábamos diseñando el silencio, todavía era un sonido. Ponemos algo o la decisión de quitar algo es muy importante. Creo que el concepto de silencio en la película también se debe a que, ya sabes. No es natural para Kib gritar lo que siente. Está en un entorno tan confinado y reprimido que cualquier explosión en él solo puede guardarla para sí mismo o puede expresarla. Ya sabes, debe encontrar una manera de expresarlo porque no es un entorno donde simplemente pueda volverse loco o expresarse. Así que estábamos tratando de encontrar una manera de capturar eso. Y creo que el silencio es muy poderoso. Probamos de diferentes maneras, pero, creo que quitar elementos es mucho más útil que ponerlos. El editor de sonido es brasileño, que también vivió bajo tales circunstancias. Así que es. Sí, también es una película personal para él. Así que hay muchos sonidos de la jungla en la autobiografía que en realidad se grabaron en Brasil, en Recife. Sí.
C: Buenísimo. Recife es hermoso.
M: Sí, y él estaba como, oh, suena igual. Tengo este sonido de mi ciudad natal. Y tratemos de ponerlo y estoy como, oh, esto es agradable. Y luego sí.
C: Eso es genial. ¿Cómo te sientes al ser nominado para los premios de la Academia en la categoría de cortometrajes y representar a tu país?
M: Quiero decir, es nuevo, quiero decir, es mi primera película, así que es una experiencia nueva. Hay muchas cosas que aprender. Así que básicamente, estamos aquí para aprender cómo funcionan las cosas. Porque es un sistema que nos resulta bastante ajeno. Como la campaña y las proyecciones y demás. Así que creo que lo tomamos como una responsabilidad más que como un logro. Creo que así es como nos gustaría pensarlo. Entonces, es una responsabilidad que debe cumplirse sin importar cuál sea el resultado. Así que, es algo más. Pero, ya sabes, hablemos más sobre la película. Mostremos a más personas por si alguien, ya sabes, se relaciona con ella. Y lo hablará con sus amigos como tú lo hiciste cuando viste la película.
